O vídeo abaixo, The Beauty of Mud, mostra um cara em câmera lenta fazendo espirrar água e lama. Mas o vídeo não foi filmado a 4.000 quadros por segundo, e sim a 60fps. O truque? Processar o vídeo com um plugin chamado Twixtor.
Como capturar algo em super slow motion exige uma câmera de vídeo de alta velocidade, que custa mais que US$100.000, David HJ. Lindberg decidiu gastar bem menos, com uma Canon 550D de US$760 que filma a 60fps, e o plugin que custa cerca de US$300. Não é a primeira vez que exaltamos as virtudes do Twixtor, plugin de interpolação de quadros (frames) para diversos softwares de edição de vídeo – como After Effects, Final Cut e Sony Vegas. Mas este vídeo parece levar o Twixtor a outro nível, sem deixar visível que se trata de interpolação.
Para cada segundo de vídeo, o plugin teve que criar mais 3.940 novos quadros dos 60 originais que a câmera capturou. E ele fez isso de tal forma que é quase impossível dizer que a sequência em slow motion não foi filmada assim. Esta é mais uma ferramenta para cinegrafistas com orçamento mais apertado – eles só têm que aguentar horas e horas de processamento e renderização.
Apresentado por Ellen Jabour, Luv MTV é o novo programa de relacionamento da MTV Brasil, que utiliza o conceito das mídias sociais na integração com os participantes. Para a identidade da atração, foi empregado o alvo como metáfora para construção da abertura e dos cenários.
Seguindo a criação cenográfica de VJ Scan e do Audiovisualismo, o candidato é posicionado no centro de um imenso alvo vermelho e branco, enquanto seus pretendentes ficam sentados de costas para ele nos seus extremos. O auditório envolve o alvo e a apresentadora transita entre as faixas circulares. Essa linguagem e dinâmica empregadas ao cenário tornam a atração bastante intimista, além de coerente com a témática da atração.
O Studio Nitro, responsável pelos videografismos, brincou também de forma bastante inusitada com a analogia clichê entre alvo e a paixão, trazendo um resultado bastante preciso e divertido para abertura.
Escrito por : André Luiz Sens
Acaba de ser lançado pela editora Schoba um obra inédita sobre o design televisual brasileiro: “Design na TV – Pensando Vinheta”. O designer, mestre, professor e autor do livro Rogério Abreu conta em entrevista detalhes sobre essa importante publicação que fala dos aspectos históricos, técnicos e criativos na concepção das vinhetas para a televisão.
Entrevista: Rogério Abreu
O que levou a produção desse livro?
Rogério Abreu – Desempenhei meu trabalho como designer no Videographics da TV Globo e neste período vivi muitas experiências, tanto positivas quanto negativas. Já na academia, cursando o mestrado em design, me aprofundei na analise e percebi a lamentável carência de criatividade e precária produção dos projetos atuais das emissoras brasileiras, se limitando as possibilidades da computação gráfica. É como se bastasse um operador de computador que dominasse softwares e não necessitasse pensar. O design que na década de 80 e 90 foi referência na TV, principalmente com os projetos da TV Globo, deram uma significativa empobrecida principalmente com a revisitação de conceitos do passado, bem como a otimizacão de tempo e custos. Como me tornei um pesquisador e docente universitário, desenvolvi a necessidade de escrever uma publicação brasileira que trouxesse, além de aspectos históricos, o processo criativo e elementos fundamentais para pensar vinheta na TV. Acredito que desta forma tenha conseguido contribuir para a potencialização do nível projetual dos profissionais que atuam hoje na televisão brasileira, tão significativa no passado. E ao mesmo tempo estimular novos designers a pensarem esta possibilidade de atuação, com qualidade.
Conte um pouco da sua experiência nos projetos para TV e como eles influenciaram na sua pesquisa.
Rogério Abreu – Durante minha passagem pela TV Globo tive a oportunidade de gerenciar e criar diversos projetos significativos para a TV brasileira, dentre eles destaco o gerencialmento, a criação e implantação gráfica do Big Brother Brasil, as novelas Coração de Estudante, Malhação e O Beijo do Vampiro assim como os programas A Grande Família, Amor a Bordo e Brava Gente. Principalmente com o meu processo criativo e gerencialmento do projeto para a novela o O Beijo do Vampiro, conclui que para criar um bom projeto de design na TV é necessário muito pensar, muito pesquisar e muito transpirar. Entretanto, acompanhando outros profissionais percebi que bastava um computador para que, em um dia, um projeto medíocre ficasse “pronto” para ser veiculado. Com essa experiência, senti a necessidade de desenvolver esta pesquisa, que aprofunda o repertório, o processo e o método de trabalho, bem como questiona os potenciais do veículo.
Fale um pouco da importância do design televisual e das vinhetas nos canais e programas.
Rogério Abreu – O design televisual, bem como as vinhetas, são as embalagens das novelas, os PDVs da emissora, os logotipos que personificam os programas e todo necessário que caracteriza a qualidade de uma emissora de televisão. Sendo assim, o design televisual é fundamental para todo o processo de construção do pensamento em televisão.
Apesar dessa relevância do design televisual, quase inexistem pesquisas teóricas sobre o assunto. Porque você acha que acontece isso?
Rogério Abreu – Acredito que a imediaticidade do instante, os pastiches e a rapidez como as coisas acontecem na TV deva ter influenciado neste aspecto. O problema é que o design se tornou tão relevante neste processo que teorizar o assunto é cada vez mais fundamental neste momento. Dado a relevância do assunto no passado e a forma como ele está sendo encarado, hoje percebo que repensar o processo, aprofundar a história e compreender melhor o processo criativo é o que pode provocar a revitalizaçao do design televisual brasileiro.
Houve algum desafio na elaboração do livro, em virtude inclusive dessa escassez de referências teóricas?
Rogério Abreu – Sim, muitos desafios. Precisei procurar principalmente os aspectos históricos dentro de outros contextos. Analisar pesquisas informais sobre o assunto, muitas pesquisas com profissionais, e resgatar análises perdidas no passado. Mas principalmente tornar este assunto TV, tão combatido na academia, algo relevante e fundamental como interesse no universo erudito. Quanto tempo você levou para produzí-lo?
Rogério Abreu – Entre pesquisa, redacão, acerto, finalização e definição entre diversas editoras que se manifestaram no interesse pela publicação, três anos. Na realidade esta pesquisa foi concebida como objeto de estudo de meu mestrado na PUC do Rio de Janeiro.
E afinal, o que vamos encontrar na sua obra?
Rogério Abreu – Em resumo na sua origem, o termo vinheta designava representações visuais de caráter simbólico que ornamentavam as iluminuras. As vinhetas ganham identidade gráfica com o aparecimento da imprensa. A vinheta será umas das primeiras manifestações do design – tendo sua origem nas iluminuras. No início do século XX, a linguagem cinematográfica incorporou as vinhetas, tanto como recurso para a abertura dos filmes, quanto para os cartazes que passavam informações escritas entre as diferentes sequências, no cinema mudo. Originárias das aberturas de filmes, as vinhetas de abertura na TV apresentam uma linguagem específica, cujo teor estético pode ser relevante. Enquanto nos filmes o espectador vê as vinhetas de abertura apenas uma vez, na televisão as vinhetas são repetidas a cada programa ou a cada capítulo de uma telenovela, o que permite outra espécie de envolvimento. O telespectador é capaz de perceber melhor as vinhetas de abertura na TV dada a sua repetição; poderá analisá-las e, então interpretá-las. Neste caso, o caráter estético das vinhetas pode ser mais bem avaliado, uma vez que a repetição propicia a existência maior das imagens. Liberta, portanto, da imediaticidade do instante da apresentação única do cinema. A cada repetição, o olhar do espectador encontra novas possibilidades de associações, que lhe permitem fazer inferências significativas, bastante próximas às de um trabalho interpretativo do espectador diante de uma obra de arte. Após as primeiras vinhetas criadas pela TV, o Brasil tem se destacado mundialmente em termos de produção de vinhetas televisuais. Atualmente, o refinamento das técnicas permite efeitos diversificados, com movimentos rápidos, com a ilusão da tridimensionalidade, com as metamorfoses das imagens, grafismos, jogos cromáticos e sonoros. Todos eles, entretanto, dependem da supervisão e do envolvimento de um designer, que acrescenta uma dimensão poética aos efeitos programados pelo computador. Assim, “DESIGN NA TV: Pensando vinheta” , traduz aspectos históricos, técnicos e os principais elementos de como pensar uma vinheta para a TV.
O grupo Discovery acaba de lançar Velocity, um novo canal em alta definição destinado ao público masculino abastado fascinado pelo mundo automobilístico. Viagens, velocidade, esporte e as máquinas mais potentes, bonitas e caras são os principais atrativos da programação que visa agradar uma classe exigente, inspirada e oriunda dos clubes exclusivos de amantes de carros de luxo.
A identidade de Velocity, criada pelo estúdio Impossible, informa de maneira bastante clara, impactante e refinada seu propósito e define seu público. A marca do canal é composta de um globo terrestre que pousa sobre um “v” metalizado representando a inicial de seu nome, mas que também poderia ser facilmente associada a um símbolo de uma sofisticada marca de automóveis http://vimeo.com/30046533
Essa relação com esses desejados veículos de quatro rodas é reforçada em cinematográficas vinhetas produzidas em live-action no deserto de Mojave com desfiles de carros e motos de luxo e apresentação de especialistas e amantes de automóveis. Como complemento a essa comunicação, a linguagem dos menus e chamadas, aludem aos brilhos, texturas e materiais presentes nos veículos.
Enfim, através desse pacote videográfico, percebe-se a necessidade de reforçar a identificação com audiência masculina proposta, por meio das emoções e sentimentos que esse nicho de mercado oferece, tais como status, liberdade, aventura e poder.
A acertividade da adequação do canal à sua identidade está relacionada também a estreita ligação ocorrida entre o grupo Discovery e o estúdio de design que ajudou a consolidar o seu posicionamento. Segundo Douglas Lerner, diretor de marketing estratégico do canal, “Impossible ajudou Velocity a definir sua marca, além de um mero pacote gráfico. E nesse processo, nós descobrimos que definir nossa marca para nosso time interno dentro da Discovery foi igualmente importante que definir isso para nossa audiência e anunciantes”.
Fonte: Televisual
Projeto de graduação de Jurjen Versteeg que apresenta referências da história do design de aberturas justamente através de uma excelente abertura. Original, não?
Esse filme mostra a história das sequencias de aberturas em poucas palavras. Relembrando o velho ditado: “para um bom entendedor, meia palavra basta”. Seguindo esta linha, a sequencia inclui os nomes de famosos designers de “title sequences”. Os nomes são apresentados da mesma forma de suas mais famosas aberturas de cinema.
Este filme se refere a elementos como o corte e as mudanças de caracteres do filme “Psyco”, cuja abertura é de “Paul Bass”; como também os famosos circulos dos créditos de “Dr. No”, do designer Maurice Binder. Assim como os designers contemporâneos: Kyle Cooper e Danny Yount.
A History of the Title Sequence refere-se aos seguintes designers e seus títulos:
Com Hollywood inundado de blockbusters de ficção científica e superpoderes dos quadrinhos, tornou-se cada vez mais difícil para os escritores de criar um mundo que é, de fato, fora deste mundo. E como a ciência avança a tal ponto que o que antes parecia incrível agora é quase lugar-comum, os escritores são desafiados a expandir a definição de fantasia além da realidade.
A pressão que isto representa para os escritores de ter um certo nível de conhecimento científico pode ser assustador. Com fãs obsessivos, alimentados pela internet esperando para chamar atenção de qualquer imprecisão factual, qualquer escorregada científica poderia lançar dúvidas sobre a integridade do mundo que foi criado. É aí que a Science & Entertainment Exchange entra pra botar ordem na casa.
A SEE foi criada para colmatar o fosso entre a realidade e a fantasia em um momento em que a realidade do que já está ocorrendo tem, em muitos aspectos, se encontrado com a nossa imaginação. SEE originou em Washington DC, na National Academy of Sciences, e une as principais mentes científicas com escritores e produtores de Hollywood para realizar consultas sobre as produções.
Como seria a gravidade se você pudesse enxergá-la?
O conselho da SEE inclui figuras como Seth MacFarlane (Family Guy, American Dad, The Cleveland Show), o escritor/produtor/diretor Michael Mann, roteirista e diretor Doug Liman (A Identidade Bourne, Sr. & Sra. Smith). Em apenas três anos de existência, ela organizou consultas para filmes como Watchmen, Thor, Tron Legacy e Lanterna Verde, bem como programas de televisão, incluindo Fringe e Bones.
O escopo de cada projeto pode variar muito. Marty Perreault, diretor da SEE, explica que, em alguns casos, os produtores vêm a eles com uma lista de questões táticas, tais como: “Se nós estivéssemos querendo remover órgãos de alguém, qual seriam os passos para fazê-lo ?” ou “Como seria a gravidade se você pudesse enxergá-la ?”. No entanto, em outras ocasiões, os desafios estão em mais de um nível macro: “Se fôssemos criar um mundo novo, quais seriam as regras desse mundo ?”.
Acreditando no Futuro: Acertando na ciência
Enquanto o objetivo da SEE é ajudar a retratar uma reflexão mais precisa do fato científico, ela não se arrepende em aceitar que, em Hollywood, a história é que ganha. “Para nós, não é sobre certo e errado – não somos a polícia história”, diz Perreault. “Nós entendemos que o entretenimento deve ter uma história envolvente, e às vezes os escritores podem precisar desviar um pouco dos fatos científicos pra que isso aconteça.”
No entanto, quando há um conflito entre a ciência e a história, a SEE visa ajudar os escritores fazer esse salto. Dado o estado avançado do que realmente é cientificamente possível, há mais de uma responsabilidade de acertar na ciência.
Robert Chiapetta, roteirista da série sci-fi Fringe – em que uma equipe do FBI usa essa ciência heterodoxa para investigar uma série de acontecimentos terríveis e muitas vezes inexplicáveis – enfrenta o desafio de escrever um programa ambientado nos dias atuais, mas com um conceito de um universo paralelo. “Quanto mais no futuro o programa é ambientado, menos ligação ele terá com a ciência que conhecemos agora, para que haja mais flexibilidade em relação à verdade científica”, diz ele. “Para o nosso programa, que acontece no presente, é importante que os espectadores acreditem que essas coisas realmente acontecem em laboratórios e instalações secretas do governo.”
Ao trabalhar no programa, Chiapetta e seu parceiro Glen Whitman contam com o apoio de Ricardo Gil da Costa, neurocientista do Instituto Salk de Estudos Biológicos, de San Diego. Chiapetta acrescenta: “Se você olhar em volta para o que está acontecendo, você vai se surpreender com o que está acontecendo. Durante a década de 2000, mais de 20 espécies foram clonados. E se a gente levar isso um ou dois passos adiante, para ver onde vai ? Por isso, temos que ficar um pouco mais próximo da ciência real.”
Envolvendo a ciência
A SEE também enxerga Hollywood como uma oportunidade para promover a ciência através do mainstream e, de certa forma, para torná-la cool. “Cinema e televisão são meios que a gente vê todo dia”, diz Perreault. “Se você conversar com alguns dos nossos consultores sobre o que os inspirou a se tornarem cientistas, Star Trek é frequentemente mencionado. Eu fui um Trekkie e eu queria trabalhar com ciência. O entretenimento inspira muito, e pode fazer a próxima geração começar a dizer ‘Eu quero ser um cientista ou um engenheiro’.”
Filmes produzidos sob consulta da SEE, que vêm por aí:
Lanterna Verde: Atualmente em pós-produção e lançamento previsto para este ano, estrelado por Ryan Reynolds e Blake Lively.
Dune: Um remake do filme cult de 1984, baseada no romance de Frank Herbert, dirigido por David Lynch. Atualmente “na produção”.
Doctor Strange: Com poucos detalhes disponíveis, vale prestar atenção no filme do feiticeiro da Marvel.
Battleship: estrelado por Liam Neeson, Alexander Skarsgard e a cantora Rihanna, previsto para ser lançado em 2011.
Os Vingadores: Escrito por Joss Wheedon (Buffy, a Caça Vampiros) e estrelado por Robert Downey Jr, Chris Evans e Scarlett Johansson, esta é uma outra produção da Marvel Studios, com lançamento previsto para maio de 2012.
The Forever War: Baseado no romance de ficção científica de 1974 do americano Joe Haldeman, Ridley Scott confirmou em 2008 que ele estaria fazendo uma adaptação para o cinema e voltaria para o gênero sci-fi. Será filmado em 3D e lançado 2013. Mal posso esperar =D
A história da luz.
Com essa proposta o pessoal da “m ss ng p eces” (é assim mesmo que se escreve !) criou uma peça fantástica para o lançamento de uma nova lâmpada da GE.
Usando stopmotion e muita criatividade eles contam a evolução da humanidade a partir da luz. Muito bacana !!
Abaixo o making of.
O dia do designer já passou, mas a Chico Rei tem uma ótima proposta para você não deixar passar em branco essa data! Quer fazer o próximo cartaz da Chico Rei e ganhar um iPad 2? Leia abaixo e saiba como participar desse concurso incrível.
Design não é só o que aparece ou o que se sente. Design é, além de tudo isso, a forma como a coisa toda funciona”. Juntando arte e funcionalidade, grande parte do universo ao nosso redor passa pelas mãos desses profissionais. Por isso, nada mais justo do que celebrar muito o Dia do Designer.
Oficialmente, essa data é celebrada em 5 de novembro. Porém, estamos lançando hoje um desafio para os designers de plantão: criar uma peça visual que será estampada no pôster que é enviado junto das camisetas Chico Rei. O designer vai precisar usar toda sua criatividade, porque só será permitido o uso da cor preta na arte. A recompensa será um iPad 2, além do reconhecimento por meio do nome estampado no pôster, com tiragem de cinco mil exemplares, que serão enviados para os quatro cantos do país. Ah, vale lembrar que esse pôster é muito querido Brasil afora, está presente nas paredes, armários, agendas… Enfim, é importante para muita gente!
Topa o desafio? Então vamos passar algumas informações importantes… Se liga no regulamento:
Especificações da arte
– O pôster deve ser criado em tamanho A2 (42 cm x 59,5 cm), com 300dpi;
– O designer poderá usar apenas a cor preta;
– O pôster será impresso em papel craft;
Enviando a arte
– As imagens devem ser enviadas em formato JPEG, no tamanho 600 px x 850 px e com 72dpi;
– O email para recebimento é concurso@chicorei.com.br;
– O arquivo deve estar nomeado com o seu próprio nome. Exemplo: SEUNOME.jpg;
– O deadline para envio é 21 de novembro de 2011;
Cronograma
Início do concurso: 4 de novembro de 2011;
Data limite para envio: 21 de novembro de 2011;
Resultado: 28 de novembro de 2011;
Avaliação
As artes serão avaliadas por toda a equipe da Chico Rei, levando em consideração, principalmente, criatividade, garbosidade e mensagem transmitida. O tema é totalmente livre, por isso dê asas a sua imaginação.
Resultado
Após a divulgação do resultado, o vencedor tem até cinco dias corridos para enviar um email para contato@chicorei.com.br informando nome completo e endereço. Através deste email conversaremos mais a respeito da aplicação do pôster, coisa e tal.
“The 360 Project” é um estudo dos movimentos de dança, capturados simultaneamente por 48 câmeras alinhadas em círculo. Quando diretor canadense e fotógrafo Ryan Enn Hughes ganhou uma bolsa de estudos para explorar os elementos estruturais da imagem em movimento, ele decidiu casar cinema e fotografia, capturando os movimentos congelados da dança. Para isso ele criou dois de curtas: um com bailarinos de Krump dance e outro com bailarinos do Canada’s National Ballet School. Os videos são mega estilosos, diferentes e criativos. E com uma trilha super marcante.
O conceito de Hughes era capturar as coreografias dentro de um espaço preto, sendo iluminados com luzes estroboscópicas que o torna mais interessante o efeito. O equipamento de câmera para os filmes foi projetado e construído pela The Big Freeze, com 48 câmeras Nikon D700 em rede e programadas em conjunto para capturar simultaneamente a série de ações. Segundo ele: “O que estamos fazendo é fotografia, mas só se torna no cinema quando os 48 frames são jogados juntos em uma sequência ou cronologia como um flip book.”
Os dois estilos de dança escolhidos representam perspectivas diferentes em técnica e origem, e as imagens resultantes se assemelham a um tipo de estátua digital – um momento congelado, que representa a essência de cada forma de dança em 360 graus. Bem bacana o visual ! Vale a pena conferir o making of.
Azimut traz para o Brasil o curso oficial Smoke 2012 -workbook 101 (estendido pela azimut), por um valor a seu alcance. Agora você terá acesso a estas ferramentas com investimento a partir de U$ 589.00. “O mercado procura profissionais operadores de Smoke, recebendo valores acima de R$ 12.000,00!!!”
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Mais um ano de Video Music Awards na MTV e a Imaginary Forces foi responsável por cuidar novamente de todo o seu visual, incluindo desde o pacote videográfico até a cenografia.
Com uma linguagem bastante contemporânea com aproximações às estéticas punk e pop-art, as vinhetas extremamente dinâmicas empregaram interferências gráficas bem humoradas e visualmente bem apuradas sobre cenas dos videoclipes nominados. Os vídeos dos artistas se integravam com harmonia e coesão a camadas geométricas multi-coloridas, texturas variadas e um jogo tipográfico bastante cuidadoso. Diferente de outras embalagens, os artistas e as cenas dos clipes exibidos nesse caso eram elementos compositivos fundamentais nas peças, valorizando ainda mais o seu papel no contexto do evento.
Além dos videografismos, o estúdio Imaginary Forces também foi responsável pela cenografia, que apresentava uma arquitetura futurista e dinâmica composta de vários ambientes com leiautes dinâmicos, além de formas, cores e luzes que acompanhavam a identidade on-air.
Confira a lista de escolas pelo mundo que estão realizando o treinamento do Autodesk Smoke® no mês de novembro de 2011.
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Com a expansão do acesso à internet para várias camadas da população brasileira, pessoas que antes eram marginalizadas, não tinham voz e ficavam à mercê dos grandes veículos da mídia conseguiram mostrar sua realidade, protestar sobre o que achavam errado e disseminar sua cultura e seus hábitos.
Muitas dessas pessoas vêm de favelas e comunidades carentes que não conseguiam se identificar com a chamada cultura do asfalto. Todo um universo à parte foi construído nessas comunidades e agora ganham um tratamento especial, livre de preconceitos, feito por uma emissora de TV.
O intuito do programa “Reis da Rua”, a TV Cultura, em parceira com a produtora Mosquito Project, foi investigar quem são essas pessoas que mudaram o ângulo de visão do mundo em relação à periferia.
Marca
O programa é composto por 18 episódios. Cada um deles traz minidocumentários mostrando a vida de alguns líderes das periferias urbanas, acompanhando a relação com os amigos e a família, além de mostrar como funciona o trabalho de cada uma dessas pessoas que se destacam em seu universo.
Para produzir a abertura do programa o Estúdio GotaCX foi chamado e apresentou um trabalho impecável que deixa de lado os estereótipos e preconceitos quanto ao universo da periferia e nos mostra uma outra visão sobre esses “Reis da Rua”.
Processo Criativo
A abertura enfatiza o lado nobre de cada uma dessas pessoas mantendo a conexão com as comunidades carentes através das palavras e expressões típicas desse universo aparecendo ao longo da vinheta.
Em entrevista, o diretor da abertura Cristiano Trindade, esclarece detalhes sobre os bastidores da produção e as ideias por trás da construção da vinheta:
Entrevista: Cristiano Trindade
Qual foi o briefing recebido para a produção do vídeo?
Cristiano Trindade – O programa procura retratar moradores de periferia, que são verdadeiras celebridades locais. De alguma forma são referência para seu entorno, são personagens que possuem muita popularidade nas suas “quebradas”, mas que não possuem destaque nos meios de comunicação.
Qual o conceito aplicado na vinheta?
Cristiano Trindade – Procurei estabelecer uma conexão criativa entre a realeza tradicional contida no nome REIS DA RUA, e as referências populares atuais das periferias do Brasil. O ícone da bandeira nos reinados medievais, por exemplo, eram símbolos de unidade e identidade, que vinham à frente das comitivas dos reis, representando seu povo. Assim como uma vinheta audiovisual vem à frente do seu conteúdo, dando uma identidade à diversidade de temas que serão abordados durante um programa. O processo da confecção da bandeira é uma metáfora direta em relação à construção de um retrato que o programa fez dos personagens participantes da série. Personagens estes que foram escolhidos e imortalizados no programa, assim como uma academia de notáveis, que sempre possuem uma bandeira símbolo para representar seus imortais. A imagem do cachorro vira-lata é uma homenagem ao mais popular rei das ruas do Brasil, presente de alguma forma em todos os episódios da série.
Como foi decidido trabalhar com captação de imagens junto à interferência de computação gráfica?
Cristiano Trindade – O programa em si já tinha uma proposta narrativa mais sofisticada, um pouco mais imersiva em relação aos programas da TV aberta em geral. Essa linguagem demandava uma abertura mais trabalhada, com um roteiro mais completo, o suficiente para criar um hiato que possibilitasse ao espectador uma introdução no conteúdo. A opção pela captação foi a forma mais coerente para estabelecer essa conexão com a linguagem do programa. Os episódios da série ampliavam, como uma lente de aumento, micro universos dos seu personagens, daí então utilizar lentes macro para captar um processo comum da confecção de uma bandeira e trazer para as imagens da vinheta uma riqueza de detalhes e informação que normalmente são ofuscados por um enquadramento mais aberto.
Durante a vinheta temos palavras e expressões que remetem à linguagem que costumamos associar com a periferia paulistana, onde elas se encaixam ao conceito?
Cristiano Trindade – Todo povo possui sua cultura, seu idioma, suas especificidades. Essas expressões são parte do vocabulário desse “reino”.
Quanto tempo durou toda a produção da vinheta, desde as primeiras ideias até o produto final?
Cristiano Trindade – Durou aproximadamente 4 semanas.
Como foi o processo de produção da vinheta?
Cristiano Trindade – Após os tratamentos da idéia e o desenvolvimento do conceito, criamos um moodboard para ambientar o universo imagético que precisaria ser identificado na identidade do programa. A partir daí desenvolvi o roteiro e o shooting board para as filmagens, nessa parte tive o apoio de produção da equipe da Mosquito. Depois edição e composição.Paralelamente, meus parceiros da Neutra foram desenvolvendo a trilha sob medida para a abertura.
Que referências você buscou para construir a peça?
Cristiano Trindade – Foram várias referências, dentre elas destaque para o universo das bandeiras de time de futebol, os pôsteres de streetart, as escolas de samba e suas porta-bandeiras, uma série de ícones populares dentro e fora da periferia, capazes de comunicar a grandeza das histórias dos personagens retratados no programa.
Ficha Técnica
Ano: 2011
Canal: TV Cultura
Produção: Estúdio GotaCX e Mosquito Project
Direção: Cristiano Trindade
Sound Design: Neutra Produtora de Som
Promoção AZIMUT, envie um e-mail para: treinamento@azmt.com.br, mencione o site Oeditor.com e garanta uma super facilitade para realizar seu curso.
Curso de Formação em Efeitos e Videografismo
O artista podera criar as suas mais ambiciosas visoes aprendendo as principais tecnicas e conceitos de efeitos especiais e composicao de cenas, tais como: divisao do clipe ao longo da linha de tempo trabalhando com um composicoo totalmente 3d, posicionamento de uma camera animada contendo atributos de uma camera real, controle de sombras e reflexos realisticos usando o Ray tracing (modo 3d), pinceis personalizados para criar efeitos e texturas avancadas, entre outros.
Carga Horaria
Aulas de 3h seguidas, 3x por semana, geralmente nas segundas, tercas e sextas durante aproximadamente 15 meses.
Ainda e’ possivel cursar as formacoes de Efeitos e de Videografismo contratando uma foramcao e ganhando a outra totalizando mais de 600 horas aula, incluindo seminarios e projeto orientado (A partir de junho de 2011 devera ser contratado cada formacao individualmente).
Cada Hora aula equivale a 45min.
Material de apoio
Exercicios dos modulos e apostila de treinamento do 3ds max disponivel em meia digital.
Em cada modulo havera’ exercicios e material de apoio apropriado. Sugerimos utilizar um pendrive para copiar o material de apoio de cada modulo.
Certificado de Conclusao
Os Alunos com frequencia superior a 75% do curso, aprovados nos modulos, tendo boa qualificacao no projeto final e submetendo formulario autodesk (evaluation form) recebera a certificacao Autodesk reconhecida mundialmente.
Grampo MTV é um programa jornalístico apresentado por Cazé Peçanha, cujo mote está em abordar os entrevistados através de câmeras escondidas e ligações telefônicas. A cada semana há um tema polêmico, trazendo situações e discussões que apontam todos os lados, negativos e positivos, do assunto abordado.
A abertura, criada pelo Studio Nitro, ilustra muito bem essa característica da atração. Elementos de vigilância e investigação são ilustrados de maneira surreal e soturna em um vídeo sofisticado, dinâmico e divertido. Em uma noite de lua cheia, automóveis transitam por uma estrada escura, enquanto pássaros amarelos com cabeças de câmeras sobrevoam e pousam sobre postes cheios de fiações emaranhadas e grampeadores.
Alguns desses elementos bem construídos são reproduzidos ao longo do programa através dos infográficos e videografismos. Aliás, algumas ilustrações que participaram do processo de criação da vinheta foram muito bem aproveitados no pacote interno.
A marca também sofreu vários estudos, resultando em um logotipo formado por rebuscadas retorções geométricas que acompanham a estética da vinheta e aludem ao próprio nome da atração.
Processo Criativo
Animatic
Concept
Abertura
Videografismos internos
Ficha Técnica
Ano: 2011
Canal: MTV Brasil
Estúdio: Studio Nitro
Direção de Arte: Ariel Costa
Produtor Executivo: Rodrigo Angello
Modelagem: Kléber Dárcio, Marcel Vosylius e Paulo Biajante
Renderização e Iluminação: Kléber Dárcio
Textura: Alexandre Trevisan
Animação 3D: Marcel Vosylius, Paulo Biajante, Lucas Ribeiro, Marcos Ribeiro
Animação 2D: Ariel Costa, Gabriel Gemenez
Composição: Ariel Costa
Áudio: Combustion
A Azimut é o Centro de Treinamento Autorizado da Autodesk – Media & Entertainment (discreet) do Rio, que oferece maior conteúdo para profissionais e formação de novos talentos. É uma das mais conceituadas representantes da Autodesk, contando com a supervisão e orientação de um profissional que trabalhou na autodesk|discreet como aplication Engenier e demo artist apresentando oficialmente os lançamentos do 3ds max, combustion, reactor, mental ray e character studio. Também atuou 6 anos como Autodesk Training Specialist pertencendo a um seleto grupo de instrutores da autodesk.
Hoje a Azimut é o único centro de treinamento no país a oferecer a linha Advanced (Hi-End) da Autodesk, como o Autodesk Smoke, uma ferramenta de alto nível para edição, finalização, composição e efeitos visuais utilizada nas grandes produções mundiais para TV, comerciais e na maioria dos videoclipes e filmes incluindo as indicações para Oscar de efeitos dos últimos 15 anos.
Oferece cursos em módulos e formações anuais focados no mercado de trabalho. A azimut , através das formações, é um curso profissionalizante que habilita os alunos para o mercado de trabalho podendo garantir que forma a maioria dos profissionais do mercado de computação gráfica 3D. Trabalha essencialmente com workstation em plataforma PC com estações DELL, utilizando até 2 monitores de 23″por estação, processadores até CORE i7 e Apple Mac CORE i7 com monitores de 27″ para edição, composição e visual effects com Autodesk Smoke.
Utilizando tecnologia e softwares de ponta juntamente com a larga experiência adquirida nos projetos realizados e em produções “in house”. Os softwares Autodesk Media & Entertainment (discreet), que são adotados por mais de 90% do mercado produtor mundial, são considerados como as principais ferramentas para criação de seus projetos.
As aulas são acompanhadas por projeção de 180″ com soluções nativa de 1600×1200 e TV de 60″. Durante o treinamento são apresentados vídeos “autodesk real demo” como referências e estudos de projetos de vídeos, computação gráfica e produções 3D.
Ao final do treinamento os alunos que estiverem aptos recebem a certificação oficial Autodesk, reconhecida mundialmente.
CURSOS LIVRES – MÓDULOS
A Azimut – Architecad possui vários módulos de treinamentopara arquitetura, engenharia, desenho industrial. Na linha de projeto e desenho técnico, treinamento em Autocad eRevit, para um estudo rápido de volumetria o sketchUp, apresentação técnica módulos de render e Planta Humanizadas.
Para tratamento de imagem, fotografia, gerar texturas e mapas temos vários módulos de treinamento utilizando o Adobe Photop, além de treinamentos específicos para editoração e Designer Gráfico.
Na área de visualização e animação 3ds temos inúmeros módulos de computação gráfica 3D com 3ds max e Maya. Na linha de vídeo como Edição, color corretion e composições, cursos com Premier, After Effects, combustion e a poderosa linha Hi-End, Autodesk Smoke, podendo gerar projetos de finalização, edição e efeitos em tempo real,. além de outtras ferramentas profissionais do mercado de computação gráfica.
Os módulos de treinamento Especificos – Profissionais de computação gráfica 3D com 3ds max, com estrutura exclusiva Azimut, devem ser realizados apenas após os treinamentos Fundamental de Computação Gráfica e o Complementar com 3ds max, que tem como pré requisitos conhecimentos em Windows, noções de geometria e Inglês. Os treinamentos de Plug-ins devem ser realizados com noções de 3ds max. Os cursos de autocad intermediário, avançado e autocad 3d devem ser realizados após o curso de autocad 2d básico, outros módulos ou cursos podem ser exigidos pré requisitos específicos.
FORMAÇÕES
Acreditando na sua formação profissional em Computação Gráfica, preparamos formações por áreas de interesse, habilitando o futuro profissional a atender com perfeição cada segmento do mercado 3D.
Relacionamos abaio algumas das principais linhas de treinamentos.
Para melhores informações, entre em contato conosco.
Teremos o maior prazer em atende-lo bem como orienta-lo no mercado de trabalho.
treinamento@azmt.com.br
Através da simulação de vídeos e fotos “caseiros” das personagens do folhetim em épocas diferentes, a abertura mostra como eles se conheceram e se tornaram uma família “diferente”. Para tratar tudo de forma mais íntima em consonância com o título da novela, nota-se uma evidente relação com os famosos vídeos de aniversário e casamento, que costumam retratar de forma bastante descontraída e natural os momentos importantes da vida das pessoas.
Para isso, a produção da abertura teve um grande cuidado ao ambientar as cenas nos períodos certos, transportando os espectadores para o passado, seja através dos figurinos e cenários, como também no tratamento dados às imagens que simulam o modo de captação das câmeras antigas.
O conceito de passagem de tempo e o clima nostálgico é reforçado pela trilha “Oração ao Tempo”, de Caetano Veloso e interpretado por Maria Gadu.
Já a assinatura gráfica, há uma referência às famosas anotações (geralmente lembretes) feitas em post-it, remetendo especificamente às lembranças de Ana antes de entrar em coma, antes de sua vida virar do avesso.
Abertura de “A Vida da Gente” é singela, delicada e com uma produção bem feita, mas se mostrou pouco emocionante e envolvente. Pelo menos nesse contexto inicial da trama.
Enquanto o objetivo da SEE é ajudar a retratar uma reflexão mais precisa do fato científico, ela não se arrepende em aceitar que, em Hollywood, a história é que ganha. “Para nós, não é sobre certo e errado – não somos a polícia história”, diz Perreault. “Nós entendemos que o entretenimento deve ter uma história envolvente, e às vezes os escritores podem precisar desviar um pouco dos fatos científicos pra que isso aconteça.”
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